互聯網和資訊科技不斷進步，催生了一個與主流藝術產業界平行的藝術世界，這個藝術世界並不遵循前者的規則。自DIY 創作文化正大行其道，DeviantArt 網站已經收到逾二億四千六百萬份藝術作品；在北歐，實況角色扮演遊戲（LARP）蓬勃發展；而參加火人祭（Burning Man）的人亦築起各式各樣的龐大動態雕塑，例如這個會噴火的機械蝎子。種種例子，都顯示藝術界以往的權威核心正逐步分散，傳統藝術機構和策展人不再是當代文化的唯一供給者。

想了解這個現象，不妨先看看藝術家如何投入及運用數碼文化：

• 在全新數碼服務、網絡平台和科技的配合下，個人及集體可輕易掌握自己的作品生產、散發和宣傳，令作品得以面向更多觀眾。
• 許多藝術家已不再視畫廊為展現作品的首要場所。在眾多展示空間及模式並存的巨大網絡中，畫廊只是其中一個展示點。
• 藝術家以個人品牌為靈活生產的工具，以這種方式建立的觀眾群之龐大，是歷史悠久的個別機構所不能及的。
• 現時，從網絡視角著眼創作的作品，往往因應情況和環境而改變，不再只以風格、內容、訊息和學派為準則。
• 許多藝術家都意識到互聯網在日常生活中的平庸無趣。

同時，傳統機構和策展人似乎不是那麼接受網絡視角。這些機構察覺到是有不足之處，許多機構只會抓住「數碼」這個口號，以為只要成立一個「數碼空間」或「數碼部門」，就能走出脫節狀態，重新受到認可。他們通常會從中挑選一些具代表性的藝術家或藝術作品，彷彿「數碼」就是某類與繪畫相當的當代媒介。但這並不正確，而且忽略它實際的運作原則。

為何許多歷史悠久的機構和策展人不願意接受這些文化改變呢？以下是我的觀察所得：

• 機構抗拒冒險。他們的改變速度慢、適應力低，而且不善於創新。
• 他們依循階級制度。由上而下的結構，扼殺了他們與橫向網絡和社區接觸和合作的能力，妨礙他們採取主動，並且無法與這些網絡和社區產生共鳴。
• 他們致力追求文化上的完美和原創性。他們並不認為失敗和重覆的過程有助於自我提升。
• 他們喜歡集中的創作者身分。展覽、天才構思和個別化的藝術創作，多半都主張由單一創作者的原創性，而非把創作視為更廣大的合作項目的一部分。

若機構和傳統藝術界希望與這些平行藝術世界互動，並在巨變中維持生產力，便須進行深入而徹底的實驗和改革，顛覆我們對藝術、展覽製作和策展的固有設想。最重要的是應抱着「參與，但不支配」的態度向前，讓更多人可以受惠於這個正面的改變。