异舞同鸣：与杨云涛和香港舞蹈团舞者对谈

由M+艺活和香港舞蹈团联合呈献的“M+艺活 x 香港舞蹈团：山水回响”于2026年1至3月举行，舞者在演出中与博物馆南展厅举办的展览“山鸣水应”中多件作品互动，包括李禹焕的《关系项──镜之道》（2021／2024）、野口勇的热浸镀锌钢雕塑和王嘉佳与Aqilah Misuary的声音装置《趋光》（2024）。

舞蹈演出由香港舞蹈团艺术总监杨云涛M. H.和一众舞者共同创作。舞者首先在展出李禹焕《关系项──镜之道》的展厅中独舞，随后引领观众前往展示野口勇雕塑和王嘉佳及Misuary声音装置的展厅，接着与另一位舞者共舞。演出旨在创造诗意的旅程，探讨时间的流逝，和在时空、视觉与想像之间建立对话，以不同角度观看当代艺术。

助理策展人林颂恩与杨云涛和舞者李家名、廖慧仪及吴嘉玲对话，畅谈作品背后的概念框架，并重温其编舞理念。

林颂恩：合作讨论初期，我们邀请你们参观“山鸣水应”展览，特别是李禹焕的《关系项──镜之道》（2021／2024）和野口勇的热浸镀锌钢雕塑。当你们踏进南展厅，初次看到这些作品时，有什么感受？

杨云涛：展厅的寂静令我讶异，尤其是展出李禹焕先生的《关系项──镜之道》（2021／2024）的房间。我记得那是香港暴雨后的一天，展厅的静谧与外面的风景形成强烈对比。阴郁的天空与幽暗的灯光，使人聚焦在反射的镜面和碎石上。而阳光更在展出野口勇先生雕塑的展厅中，于地板上反射出光影条纹，散发着温暖色调。作品就像一个浑然天成的舞台。

吴嘉玲：展厅的确很安静，你可以听见人们踏在碎石上，发出平静和宁谧的声音。这种远离人群的感觉，跟在博物馆中庭的感觉很不一样。

林：你邀请了舞者与你一同编舞，并安排舞者二人一组表演。为何会有这个安排？舞者的组合又是怎样配对的？

杨：考虑到这是在博物馆展厅内现场演出的艺术作品，我想这是个绝佳的机会，让舞者即兴创作，以身体表达自己，并与诗意的环境对话。通过即兴创作，作品不只是一场演出，还是由舞者、​​观众和表演空间共同创造的作品。舞者根据环境作反应，让所有活生生的元素都成为集体创作的一部分。但当然，我们亦会按舞者的理念彩排。他们先以各自的编舞意念为基础，再即席加以改动与创作。因此，这既是即兴，也是经精心编排的作品。对舞者来说，这种表演方式充满实验性，同时带来莫大的满足感。

二人一组的念头，在我们首次参观展览中两个展厅时冒起。我们开始思考怎样在同一个演出中联系两间分开的展厅，吸引观众观赏此两处的表演。策展团队和我们认为由舞者引领观众从第一个展厅走到第二个，完全沉浸在表演过程之中，是个不错的做法。两个展厅之间的长型黑墙展厅，正好让人稍歇，诗意地引领观众由感受李禹焕作品所处第一展厅的寂静，到第二展厅王嘉佳与Aqilah Misuary创作的声音装置。我们巧妙地运用观看当代舞蹈表演的不同方式。

林：我知道你们这次在艺术品所在的展厅即场编舞和彩排，而不是在舞蹈室。两组舞者如何在编舞上合作？

李家名：艺术品的极简风格和展厅的静谧，使我沉浸在对时间的回忆当中。下一秒的未知和时间的流逝，让我邂逅和拥抱各种不确定性。人和环境的因缘和合，化为时间乐谱里跃动的音符，集结人与人之间的远近和失之交臂。

廖慧仪：正因为是即兴创作，每次彩排和演出时，时间、空间和人的存在都会创造出不同的火花。我们感受当下环境和现场观众的回馈，透过身体表达情感，这是在舞蹈室精心编排舞步所无法获得的体验。在现场排练，我们可以感受到展厅之中时间的流动和环境的转换，跟艺术作品创建独一无二的对话。

再者，这次表演我们是二人一组的演出。虽然家名和我在演出的前半部分身处不同展厅，但我们在演出的后半部分跟彼此互动，为观众带来圆满的体验。

吴：我的拍档是皓斐。我们不在同一展厅，而是在两个展厅相继演出。我们熟悉对方以身体表达情感的方式，这帮助我们沟通和了解彼此的想法，并创造出一个充满变化，既能反映艺术品，又能与观众互动的旅程。例如，若我的动作奔放，皓斐的舞步就会较为中性和静态。若我以刚劲的动作跟作品和观众互动，他则会以柔和舞步平衡我们的“旅程”，反之亦然。

林：回看你们的表演，我留意到家名和慧仪将中国舞的元素融入作品。可以谈谈这方面吗？

李：这跟我的训练背景密切相关。我在表演过程中所选择的材料和意念，大多倾向东方的身体语汇。

廖：我也是长年接受中国舞训练。经年浸淫在中国舞和武术当中，在我身上留下独特的痕迹。有时这些动作是不假思索的，特别是在即兴创作的时候。

林：我留意到四位舞者都为表演挑选了不同风格的服饰。这当中考虑了什么？

李：我来自台湾，现移居香港。作为遨游和体验世界的人，我所选的服饰故意磨损造旧，让一己自由活动，或坐或躺，或跳跃，或静止。在历险中，你的衣服不可能永远干净整洁。对我来说，每场表演让我邂逅不同观众，确是全新的历险。

林：李禹焕的装置所在的展厅非常宽敞，作品亦有一块反射的镜面。你怎样将这些元素与表演结合？

廖：这展厅中的碎石、镜子和反射的日光给我干净的感觉。每次踏上碎石，都会产生不同的声响，在空间里回荡；镜子于我就如瀑布，流经整个空间。这让我想起人生：我们或会遇上不同挫折，但当中仍有美丽的时刻，而无论遇到什么，时间还是会一路往前。

林：你们怎样将窗外的香港都市景观和野口勇的雕塑连结？其雕塑所在之处是唯一设有声音装置的展厅。你们在设计舞步时如何将不同元素连结，以带出时间的流逝？

李：跟散步一样，我们不会刻意留意脚下的节奏。但若你活在当下，专注于此时此刻，即兴表演的过程，就如在和煦的午后，迎着暖阳和微风散步。它流动如时间的流逝，呼应着声音装置。虽然靠近感应器时，音乐会放大，但它就如大自然的声音，在未知的每个角落带来惊喜。

吴：表演期间，观众会围绕着我和艺术品。那一刻，我感到野口勇的雕塑就如维港两岸的摩天大厦一样，围观的人则像世上的其他物件，唯一不同是时间变慢了。虽然我不能控制那些“物件”，但我可以控制时间的流动。我掌控着观众与我对话的节奏。

林：我知道香港舞蹈团在2021年首演了一出受山水启发的舞蹈表演。这两场表演的编舞设计有何分别？如何将山水的抽象概念延伸至表演艺术形式当中？

杨：2021年创作的《山水》在演出前已整出编排好，此次表演则属即兴舞蹈。两者皆是身体表现的形式，透过肢体呈现抽象的概念和情感。这次表演没有使用任何背景音乐和道具，因此舞者需要好好掌控时间。我们想纯粹以身体捕捉观众的注意力，引领他们沉浸在时间的流动当中。

林：你如何将两种艺术形式──表演与在跨领域展览“山鸣水应”中所探讨的山水概念结合，并为观众赋予意义？

杨：对我来说，表演艺术最重要的一点是“用眼睛去看”，而“看”的重点在于让观众关注其自身感受和即时反应。我很高兴能借这次合作探索这种饶富意义的艺术形式。表演横跨两个展厅，使创作的呈现更为具体。这个环境舞蹈作品的包容性，使观众不仅体验肢体动作，还能感受到更深层的内涵。感谢这次合作拓阔我的眼界，并丰富了我对舞蹈实践的思考。